Bandes Originales

La carrière de Joe Hisaishi peut se lire comme un long voyage musical, où chaque film devient une étape, un terrain d’exploration et d’innovation. Des années 1980 jusqu’aux œuvres les plus récentes, il a façonné des univers sonores uniques, profondément liés aux images qu’ils accompagnent. Voici un panorama de ses principales bandes originales, celles qui ont construit sa renommée et marqué l’histoire du cinéma.

Les débuts : entre synthétiseurs et premiers mondes imaginaires (1984–1988)

Avec Nausicaä de la Vallée du Vent (1984), Hisaishi signe l’une de ses premières BO marquantes. Il y mélange synthétiseurs et orchestrations naissantes, créant un son futuriste et poétique qui deviendra sa signature. Anecdote : il a composé une grande partie de la musique sans même savoir si le film serait un succès — pourtant, c’est cette partition qui a scellé sa rencontre avec Hayao Miyazaki.
Deux ans plus tard, Le Château dans le ciel (1986) marque une montée en ampleur. Les mélodies y sont plus orchestrales, plus aériennes, pensées pour accompagner la grandeur du ciel et des ruines flottantes. La même année, avec Arion, Hisaishi explore un registre plus dramatique, inspiré de la mythologie grecque, où l’on perçoit déjà son aisance à créer des atmosphères épiques.
En 1988, il compose Mon voisin Totoro, sans doute l’une de ses BO les plus célèbres. Fait intéressant : certaines mélodies ont été volontairement écrites comme des « berceuses » pour évoquer l’innocence de l’enfance. Le résultat est devenu culte, au point que le thème principal est aujourd’hui reconnu bien au-delà du public cinéphile.

Les années 1990 : du minimalisme de Kitano aux épopées de Miyazaki (1992–1999)

En 1992, Hisaishi alterne deux univers opposés : l’Italie aérienne et nostalgique de Porco Rosso et la poésie silencieuse de A Scene at the Sea. Le premier est imprégné de jazz et de douceur ; le second, minimaliste, marque le début de sa relation artistique avec Takeshi Kitano.
Sonatine (1993) poursuit cette veine épurée : peu de notes, beaucoup d’espace, une manière d’exprimer la violence par le silence. Ce contraste deviendra une constante de leurs collaborations.
En 1996, Hisaishi compose coup sur coup Princesse Mononoké et Kids Return, deux BO radicalement différentes. Mononoké est l’une de ses plus grandes fresques orchestrales, mêlant chœurs, percussions ritualisées et thèmes puissants. Kids Return, au contraire, repose sur l’énergie répétitive d’un motif simple, presque pop, devenu un classique de son répertoire de concert.
La fin de la décennie confirme cette dualité : Hana-bi (1998) se distingue par son piano fragile et introspectif, tandis que L’Été de Kikujiro (1999) apporte un souffle lumineux et enfantin, grâce notamment au célèbre thème « Summer », devenu l’un des morceaux les plus joués de sa carrière.

Les années 2000 : maturité, reconnaissance mondiale et diversité (2001–2008)

L’année 2001 est décisive. Le Voyage de Chihiro marque un tournant esthétique : une musique ample, délicate, mystérieuse, qui accompagne l’ascension du film au rang de chef-d’œuvre. Cette même année, Hisaishi compose Aniki, mon frère, une BO plus sombre et urbaine, ainsi que Le Petit Poucet, où il adopte une couleur plus européenne et féerique.
En 2002, Dolls lui permet de renouer avec la poésie mélancolique de Kitano, dans une partition lente et élégiaque.
Puis viennent deux projets atypiques : Le Mécano de la General (2004), où Hisaishi réorchestre un classique muet avec fraîcheur, et Le Château ambulant (2004), dont la valse principale est devenue l’un des motifs les plus célèbres de toute sa carrière.
En 2008, il oscille entre la joie enfantine de Ponyo sur la falaise et la délicatesse introspective de Departures. Anecdote : pour Departures, Hisaishi a travaillé étroitement avec un violoncelliste afin de transmettre la noblesse du rituel funéraire évoqué dans le film.

Les années 2010 : l’épure, la nostalgie et la fantasy (2013–2019)

L’année 2013 est particulièrement riche. Dans Le vent se lève, Hisaishi explore un style plus jazzy et nostalgique, inspiré des musiques européennes du début du XXe siècle. Le Conte de la princesse Kaguya, au contraire, se distingue par son dépouillement : peu d’instruments, beaucoup de douceur, une écriture presque archaïque en écho à la technique de dessin du film.
La même année, il compose la BO du premier grand jeu Ni no Kuni et lui donne une ampleur symphonique digne d’un film d’aventure. Ni no Kuni II (2018) prolongera cet univers, avec des thèmes plus majestueux encore.
En 2019, Les Enfants de la mer marque un virage plus expérimental. Hisaishi y travaille des textures marines, des timbres mystérieux et des structures musicales inspirées de l’océan, pour accompagner un récit métaphysique et sensoriel.

Les années 2020 : la maturité absolue (2023)

Le Garçon et le Héron (2023) représente l’apogée de son écriture pour Miyazaki. La musique est plus sombre, plus complexe, plus introspective. On y retrouve un Hisaishi en pleine maturité, capable de mêler délicatesse pianistique et grandes envolées orchestrales. Anecdote : il a réutilisé certains procédés d’écriture de Nausicaä, comme un clin d’œil à quarante ans de collaboration.

« Pour découvrir plus en détail les bandes originales qui jalonnent son parcours, n’hésitez pas à consulter les sections consacrées à ses longs métrages et courts métrages, où certaines de ses compositions les plus marquantes sont présentées. »